• Ruspo: Un viaje por un Brasil desconocido

    Esses patifes, el debut de Ruspo, es un diario sonoro de sus viajes por el interior del país como periodista comprometido.

     

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    Ruy Sposati es un periodista brasileño que ha editado su primer trabajo discográfico bajo el nombre artístico de Ruspo, un disco de delicioso pop lo-fi tropical, parecido -de lejos- al Beck más íntimo, con gran imaginación a la hora de imaginar instrumentación y arreglos. Hasta ahí, todo más o menos normal. Pero el quid de Esses patifes no está sólo en el resultado final (la música), sino en el proceso por el que Ruspo ha llegado hasta él.

    Resulta que Sposati es un periodista especializado en temas indigenistas, concretamente en los conflictos que viven los pueblos originarios de Brasil ante el avance del progreso y la civilización (presas, talas de bosques, latifundistas despiadados, etc), lo que le ha valido varias amenazas de muerte, algo pore desgracia demasiado habitual en esas tierras cuando los intereses en juego son tan grandes. En los últimos tres años, en sus viajes por el Brasil que no saldrá en las postales del Mundial de fútbol, ha grabado Esses patifes armado únicamente con su ordenador portátil, en habitaciones de hotel, aldeas y esquinas. No es un álbum político o de protesta, aunque es obvio que las vivencias laborales/vitales de Sposati se han colado en las canciones. Así, Tekoha usa la palabra guaraní para designar la tierra en la que viven; Chatuba de agroboy parece reflejar los abusos de los terratenientes; y en Altamira, grabó a un niño araweté cantando para introducir una canción con ritmo de bossa y una letra basada en los testimonios de los trabajadores en huelga que construían una presa en el estado de Alagoas, uno de los más pobres de país. En Anastácio, entre cuerdas, una guitarra vintage y flauta, consigue uno de los temas más melancólicamente espectrales del disco, contando la historia de un indígena que se niega a tener energía eléctrica.

    La geografía está presente desde los títulos de las canciones: Belém, Belém, Brasilia é Luísa, Altamira, Hino do Macieira, etc… También, fuera de su país, en EUA, con el espejismo de la complicada emigración a EE UU.

    La voz de Sposati, siempre en un falsete medio forzado, no es ortodoxamente bonita, pero dudo de que él mismo se describa como “cantante”. Lo importante es que le sirve para lo que necesita: dar cuenta de una especie de diario de viaje/reportaje cantado cuyas 14 páginas (o canciones) suenan repletas de personalidad y de información, tanto íntima como pública. Esses patifes se puede descargar, gratuita y legalmente, en la web del sello que lo edita.

     

    Darío Manrique

    Ruspo Esses patifes (Um Distante Maestro Discos)

     

  • El nuevo regalo de AM & Shawn Lee

    La musique numerique” es la segunda entrega de la asociación entre el cantante angelino y el “arqueólogo” londinense: pop bailable lleno de matices.

     

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    Celestial Electric, el primer disco de AM & Shawn Lee, fue uno de los favoritos de esta casa en 2011, y sentimos especial debilidad por Shawn Lee, maravilloso bicho raro, un norteamericano residente en Londres empeñado en traer los sonidos más jugosos de los 60 y los 70 a la actualidad, autor prolífico -unos 30 álbumes a su nombre- que ha realizado experimentos como su versión, con tabla india, de la música de la Incredible Bongo Band (Incredible Tabla Band).

    Ese Celestial Electric descubría un emparejamiento casi perfecto, el de un cantante y compositor pop con muy buena mano para las melodías (AM) y el del arqueólogo sónico Lee, que daba una profundidad inusitada a canciones como City Boy o Lonely Life, además de un tono bailable que a Lee seguramente le gustaría describir como “groovy” (lo siento, no encuentro una traducción adecuada para esa palabra).

    Todo ello se mantiene en este La musique numerique, un disco en el que las melodías pop de AM se funden con los orgánicos ambientes de Lee en canciones redondas como el single Good Blood, Automatic o Iron Leaf. (Otras como Special Disco también podrían describirse como redondas, pero por otras razones: repetitiva y circular, parece que no llega a arrancar). También hay cierto paralelismo con la música de grupos como The Phenomenal Handclap Band, aunque con menor carga psicodélica y sonidos disco-funk más rebajados, menos negros, más pop.

    La diferencia con el primer álbum de AM & Shawn Lee puede estar en un enfoque mayor en los años 80, con referencias al italo-disco, en las guitarras de aire a lo INXS de Suffer Like Me o en la versión con vocoder y (discreta) base moroderiana del Steppin’ Out de Joe Jackson.

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    AM & Shawn Lee son un chorro de agua cristalina en un panorama pop que a veces parece estancado en la repetición de fórmulas ya probadas. No han inventado la rueda, y desde luego no miran hacia el futuro, pero su pop bailable tampoco es una fotocopia, ni retro de por sí. En la fusión de las personalidades de cada uno han encontrado un filón que, esperamos, sigan trabajando. Por ahora, nos quedamos con las ganas de verlos en directo en España, país que aún no han visitado.

    Darío Manrique

    AM & Shawn Lee La musique numerique (2013, Park the Van)

     

     

     

    https://www.facebook.com/amandshawnlee

     

  • El rock-semilla de Andrea Echeverri

    La cantante de Aterciopelados presenta en España su tercer disco en solitario, ‘Ruiseñora’.

    Andrea-Foto de Claudia Parra

    Acaba de llegar de viaje por carretera desde Cartagena, donde anoche actuó como invitada de Susana Baca dentro del Festival la Mar de Músicas. Sin tiempo para nada más, Andrea Echeverri (Bogotá, 1965) se baja del coche y empieza la entrevista. El miércoles 24 actúa en la Apolo 2 de Barcelona y el jueves 25 en la sala Taboo de Madrid, presentando Ruiseñora (Soyla Discos/Música es Amor), su tercer disco al margen de Aterciopelados, el grupo con el que ha construido una carrera musical fundamental en los últimos 20 años para el rock latinoamericano, y del que dice que tal vez en 2015 pueda haber nuevo álbum: “Parece una buena fecha, redonda”.

    He leído que defines ‘Ruiseñora’ como “rock semilla”. ¿Por qué?

    El concepto lo acuñó otra persona, me gustó y yo lo utilizo. Tiene que ver con los instrumentos, primero, porque no tiene batería y sí muchas maracas, maraquitas, maracones, chéqueres [todos ellos instrumentos de percusión con semillas en su interior]. Pero también tiene que ver con el concepto de sembrar pensamientos, que es bonito.

    También lo has definido como “rocka de altiplano”. ¿Rocka como femenino de rock?

    Sí, y porque Bogotá está en un altiplano. En la música colombiana hay una gran diferencia entre la música costeña y la del altiplano, y yo soy de montaña. Tal vez en Aterciopelados había un poco más de trópico porque a Héctor [Buitrago, su socio en el grupo] le gusta mucho, pero a mí no me fluye tanto.

    ¿Por qué esa decisión de no usar batería ni bajo?

    No quería usar batería porque me tiene un poco harta. Mi voz es suave, y llevo veintipico años tocando con baterías, y cuando es un festival y la batería está al fondo pues bien, pero nosotros tocamos en sitios pequeños normalmente, la tengo muy cerca y se me mete por el micrófono. Además, los bateristas tienen habitualmente su onda… Y luego está que lo quería hacer yo, y he usado el cajón peruano, que no tiene unos patrones muy complicados, y puedes hacer un bombo con él. Todo el disco está hecho por mí, y he tocado lo que podía tocar, quería construir un ambiente bonito que acompañara mis canciones. Y la maraca y el cajón me fluyen.

    En cuanto al bajo, quería utilizar un guitarrón de mariachi, pero precisamente Susana Baca me dijo que probara con una leona [instrumento de cuerda típico del son jarocho mexicano], mucho m´as pequeño, y me encantó.

    ¿Cómo fue la grabación en tu casa?

    Fue muy rico, porque yo no soy músico, yo estudié arte, soy ceramista, y con la música me hacía falta esa cosa artesanal, de estarte todo el día y muchos días con una cosa. Y esa parte la hacía casi siempre Héctor. Y es muy rico, me encanta.

    Es un disco con mucho mensaje feminista. ¿Era la primera idea o el concepto salió sobre la marcha?

    Salió de una pelea, tal cual. Mejor no contar la pelea… En la pelea me dijeron que yo era el ser más violento del planeta, y por eso esa canción que se llama Guerra, que dice “guerra dentro de mí”. Habla de una manera que tenemos los artistas de conjurar esos demonios. Puede que tenga guerras y agresividad, pero también tienes creatividad para hacerte casi una terapia.

    El título, ‘Ruiseñora’, aparte de una sonoridad bonita, incluye la palabra “señora”, como en una reivindicación de la edad, una de las discriminaciones más presentes en la sociedad actual, en la que parece que sólo lo joven es bello, sobre todo para las mujeres. ¿Es así?

    Sí, hace poco, en una aeropuerto estaba viendo [tele]novelas y en las novelas ya no hay viejitas ni señoras siquiera, todas son pelirrojas y tienen botox. Es una sociedad que piensa que lo único importante es la juventud, la belleza y el sexo.

    Además, la palabra ruiseñora no existe, me enteré después. Yo quería crear un espacio femenino y me inventé una palabra en femenino, es perfecto. Tiene la simbología del canto, por un lado, y por otro contiene la palabra señora.

    Andrea Echeverri-Foto de Andrez Zuluaga

    El disco lo has autoproducido, autoeditado…

    Sí, autotodo. Mi sello se llama Soyla Discos. Es como un chiste: soy la que barre, soy la que cocina…

    ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Te ha robado mucho tiempo?

    Me encantó, te quita difusión, pero te da independencia artística, puedes crear a tu ritmo…No tienes que ir a reuniones, no tienes que consultar a nadie si les gusta, o cuándo saldrá… Vas a tu ritmo.

    Te has definido como ceramista, antes que músico, y la edición de lujo de ‘Ruiseñora’ incluía una medalla de barro hecha por ti. ¿Qué te atrae de la cerámica que no te da la música?

    Es una cosa muy privada, nada que ver con la música. Estar allá embarrada y que nadie te tome fotos es delicioso.

    ¿Cómo fue el concierto con Susana Baca en Cartagena?

    Fue divino, ay doña Susana, qué cosa, qué delicadeza. Se diría que no tenemos mucho en común, pero se ha desarrollado una bonita amistad entre nosotras, y hasta canta en mi canción Florence. En Cartagena estuvimos con Martirio, que no la conocía, y es chévere. Creo que cantamos en un registro parecido.

    ¿En qué consistirán las actuaciones de Madrid y Barcelona?

    Estaré yo sola, con una pedalera que hace loops: meto pitos, voces, capas de armonía. Mi música es muy sencilla y repetitiva, y parece estar hecha para este aparato. La melodía de la voz es la que cambia, pero la base se mantiene.

    Darío Manrique

    Andrea Echeverri actúa el miércoles 24 en la Apolo 2 de Barcelona (21:30 h., 11,50 €) y el jueves 25 en la sala Taboo de Madrid (21:30 h., 11,50 €) Más info

    http://www.andreaecheverri.com

     

     

     

  • Serge Gainsbourg: Actitud, Devoción (Future Beats Radiopodcast)

    Provocador, insaciable, irreductible, encantador, revolucionario: Gainsbourg.

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    Cuando en mayo de 1973 la ambulancia llegó a Rue de Verneuil para socorrer a Gainsbourg, éste les dijo a los enfermeros que no olvidaran coger su manta de Hermès: “las del hospital son demasiado feas”.

    Buscábamos una excusa para dedicar una sesión especial monográfica a Serge Gainsbourg y la tenemos. Se cumplen cuarenta años de la publicación del álbum Vu de l’exterior, un delirante, controvertido (obviamente) y escatológico trabajo del francés gestado el mismo año en que a los 45 años sufrió su primer ataque al corazón. El disco, quizás siempre ensombrecido por su predecesor (ni más ni menos que Histoire de Melody Nelson), es también uno de los mejores en su discografía. Además de las contínuas alusiones explícitas al sexo anal y las flatulencias contiene uno de sus temas más célebres: “Je suis venu te dire que je m’en vais”.

    Hoy os ofrecemos una selección esencial de su extensa y variada obra en dos partes.
    La segunda es un un viaje sonoro que abarca más años (desde 1969 hasta 1990) y en el que hemos incluido fragmentos de ensayos, entrevistas, rarezas, directos y tomas alternativas.

     

    Playlist:

    Du Jazz Dans Le Ravin
    Indifferente
    L’eau Á La Bouche
    Cha Cha Cha Du Loup
    La Chanson De Prevert
    Les Cigarrillos
    Requiem Pour Un Twisteur
    Black Trombone
    Accordéon (Juiette Gréco)
    La Javanaise
    Colour Café
    New York USA
    Laisse Tomber Les Filles (France Gall)
    Erico Tico
    La Guerrilla (Valerie Lagrange)
    Bonnie And Clyde (version anglaise) (Feat. Brigitte Bardot)
    Comic Strip (Feat. Brigitte Bardot)
    Initials B.B
    Contact
    Un Poison Violent C’est Ça L’Amour (Anna) (Feat. Jean-Claude Brialy)
    Requiem Pour Un Con
    Manon
    Comment Te Dire Adieu (Françoise Hardy)
    69 Année Érotique (Feat. Jane Birkin)

     

     

    Playlist:

    Initials B.B (Ensayos, fragmentos grabación en estudio)
    Elisa
    Turlututu Capot Pointu (Michel Colombier)
    La Horse (Jean-Claude Vannier)
    Ballade de Melody Nelson (Prise Voix Alternative)
    (Vannier y Jane Birkin opinan sobre Melody Nelson)
    En Melody (Version Violon Électrique Solo Complet)
    Melody Li Babar (Fragmento Demo)
    Je Suis Venu Te Dire Que Je M’en Vais
    S.S. In Urugiay
    Flash Forward
    (Presentación Sly Dunbar y Robbie Shakspeare en Le Palace)
    Lola Rastaquouère (Live Le Palace Paris 1979)
    (Incidente en Strasbourg 1980. La Marseillaise)
    La Nostalgie Camarade
    Dieu Fumeur De Havanes (Catherine Deneuve)
    (Gainsbourg brûlé un billet de 500 francs)
    Sorry Angel
    No Comment
    My Funny Valentine (Piano solo 1985)
    L’Homme Á Tête De Chou (Live Zenith Paris 1988)
    Comme Un Boomerang (Dani & Etienne Daho)

     

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  • La Yegros: Sofisticada cumbia en clave femenina

    “Viene de mí” (2013, ZZK Records), el debut de La Yegros, presenta el omnipresente género latinoamericano para paladres modernos.

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    Desde Colombia al resto de Latinoamérica y de ahí a medio mundo, la cumbia es uno de los géneros musicales que más se han expandido en los últimos diez años. En su acepción más vanguardista, la cumbia aparece pervertida por la electrónica, convertida en un excitante ritmo urbano.

    Argentina es uno de los países donde más vueltas se le ha dado a la cumbia, que con el apellido de “villera” se ha convertido en modo de expresión de la juventud de los barrios populares. La propuesta de La Yegros tiene voz femenina (algo no tan habitual en la cumbia moderna) y es bastante más sofisticada, procedente del sello bonaerense ZZK (antes Zizek), una de las cunas de la cumbia vanguardista. Mariana Yegros tiene formación clásica y hace ya tiempo que venía colaborando con su exmarido Gaby Kerpel, alias King Coya, otro artista de ZZK. Viene de mí es su primer álbum en solitario, con cuya canción titular ha tenido un sorprendente éxito en Francia. No tan sorprendente, tal vez, si atendemos a ese interés internacional que despierta la cumbia, y Viene de mí es el mejor ejemplo: ese ritmo somnoliento pero implacablemente hipnótico, y una letra que hace referencia al “sentimiento” de la cumbia con frases como “Yo no bailo la cumbia, abandono el suelo”.

    Pero el disco también atiende al folclore argentino, con el bonito chamamé electrónico El bendito, una música del nordeste argentino, donde La Yegros tiene raíces (sus padres son de la provincia de Misiones, incrustada entre Brasil y Paraguay, de ahí las menciones a los guaraníes, pueblo presente en la región).

    También hay rap en temas como Iluminada o Ya no llores, donde colabora la rapera argentina Miss Bolivia; reggae-downtempo en Vagar y dancehall en Solo. El final de Viene de mí llega con una de sus mejores canciones, la emocionante Qué me hizo mal, rica en acordeón y vientos.

    La cumbia aún no ha enganchado en España, pero esperemos que discos como el de La Yegros contribuyan a aumentar la afición por esta excitante música, que acepta sin problemas todo tipo de mezclas e injertos. Por lo pronto, el próximo 26 de julio La Yegros actúa en Zaragoza dentro de su gira europea. Quien pueda, que vaya, que por lo visto en Youtube sus conciertos son buenas fiestas.

    Darío Manrique

    La Yegros. Viene de mí (2013, ZZK Records)

     

     

     

    Teaser documental:

    Teaser – Viene de Mi: A Story About a Musical Journey from ZZK Records on Vimeo.

  • Los Amigos Invisibles prueban con el inglés pero continúan fijando el foco en el baile y la diversión en Repeat After Me.

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    Un nuevo disco de Los Amigos Invisibles siempre es una alegría (una gozadera, podríamos decir, usando su terminología). El sexteto venezolano lleva casi 20 años facturando irresistible música de baile con inequívoco sabor latino, gotitas de lounge y estructuras que van desde el funk al house, pasando por su género puente, la disco music.

    En este su octavo álbum, Los Amigos Invisibles han rebajado el factor latino e incluyen varios temas cantados en inglés. Escribo ambas cosas seguidas porque deduzco que estarán conectadas. Esta (ligera) anglificación puede ser la consecuencia lógica de las andanzas internacionales del grupo y, sobre todo, de su continuada presencia en EE UU. Al parecer, desde hace años la mitad de Los Amigos viven en Nueva York y la otra mitad en Miami, y han explicado que después de tanto tiempo ya le perdieron el miedo a componer en inglés (pese a lo cual se marcan la broma del título, “la frase más repetida por los profesores de inglés cuando empiezas a aprender”).

    Con el uso del inglés se pierde el sabor del castellano venezolano y, sobre todo, la capacidad inagotable para la letra sicalíptica con doble sentido, la metáfora guarrona y, a veces, directamente la descripción sexual. Pero aparte de eso, los temas en inglés funcionan (y son algunos de los mejores), pues en la mayoría de los casos son los más bailables, como Stay, Sex Appeal, Hopeless Romance…

    No hay ningún éxito potencial como lo fue Mentiras en Commercial (2009). Tal vez pudiera serlo el primer single, La que me gusta, una excursión pop con ritmo Motown. Mientras, Reino animal es una gamberrada que parece sacada del Arepa 3000 (2000) y Mostro un ejercicio de retrojazz humorístico y casi novelty, ambos temas intrascendentes. Por otro lado, canciones como el house luminoso de Hopeless Romance, la ácida Like Everybody Else o la cósmica Stay, un espectacular funk profundo y repetitivo, tienen más que ver con ese atrevido experimento house que fue The Venezuelan Zingason vol. 1 (2003), producido en gran parte por el dúo Masters at Work, y con la primera participación de Dimitri From Paris, que comparte labores en Repeat After Me con Cachorro López y Ray Wang.

    Los Amigos Invisibles han dejado un poco de lado la exuberancia tropical en Repeat After Me, en beneficio de la repetición bailable y la variedad desprejuiciada. No es su mejor disco, pero tampoco un paso atrás, y confirma a los venezolanos como la mejor orquesta de baile latina del momento.

    Darío Manrique

    Los Amigos Invisibles Repeat After Me (2013, Gozadera Records)

     


  • Natalia Clavier se aleja de la sombra de Thievery Corporation con un variado álbum de pop global producido por Adrián Quesada (Echocentrics, Brownout). Te ofrecemos la descarga gratuita de uno de los temas del disco

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    A Natalia Clavier la conocemos principalmente por prestar su voz para la música de Thievery Corporation o de su pareja, Federico Aubele. Con su segundo álbum en solitario -el primero para Nacional Records, primero fuera del sello de Thievery, ESL- se puede hablar de la confirmación de una voz brillante en la escena latina.

    El único pero es que el factor latino, precisamente, se encuentra diluido en este Lumen, en el que la mitad de los temas (6 de 12) están cantados en inglés. Parece que en esos casos la voz de Clavier pierde personalidad, pero por fortuna ninguna de las canciones cae en el cliché genérico, y eso es difícil, dada la variedad presente en el álbum. Pongamos por ejemplo Trouble, un tema de soul retro con una base acelerada, unas inflexiones vocales y una trompeta caribeña que la alejan de una producción estándar de, digamos, Mark Ronson.

    La coherencia de esa camaleónica heterogeneidad (hay soul, reggae, sonido 60’s, electro, trip-hop) se debe a la soberbia producción, ligeramente downtempo, de Adrián Quesada. Él es también el cerebro tras los Echocentrics, que aquí intervienen en la canción más atractiva, un Adiós que refulge con un órgano psicodélico de aires exóticos (¿camboyanos? ¿etíopes?) y un aire racial en la forma de cantar de Clavier que no desentonaría en una producción de Las Grecas. Otro teclado sesentero domina la evocadora This Love.

    Otra de las grandes sorpresas es Nada, producida por Ticklah, un reggae que, junto a Si amor llega, es lo más parecido a lo que la argentina ha hecho con Thievery Corporation, mientras que El tren, recuerda a los primeros Portishead o Volar remite a Aterciopelados.

    No pretendo con estas comparaciones destacar una presunta falta de originalidad en la música de Natalia Clavier. Al revés: se trata de subrayar su capacidad (y la de Quesada) para navegar en la diversidad, en una suerte de pop global creado con buen gusto. Si en futuras grabaciones Clavier se centra en cantar en castellano, su propuesta seguramente ganará en fuerza.

    Darío Manrique

    Natalia Clavier Lumen (2013, Nacional Records)

     

    A continuación puedes esuchar y bajarte “Adiós”, uno de los cortes del nuevo álbum en el que Quesada suma a Echocentrics

     

  • La joven cantautora británica enriquece la paleta sonora en su tercer álbum, The Still Life: “Es un disco más representativo de lo que escucho últimamente”, nos cuenta.

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    Sólo tiene 22 años pero The Still Life es ya su tercer álbum. Alessi’s Ark es el nombre artístico de Alessi Laurent-Marke, una cantautora acostumbrada a que se destaque -para bien o para mal- su precocidad: “No me molestan las referencias a mi edad, pero espero que eso no desanime a la gente para darle una oportunidad a mi música. Me ha pasado poco, pero sí alguna vez en los primeros conciertos, en plan: ‘¿Qué tienes que contar, niña? Vuelve al colegio’. Y yo lo entiendo, de cierta manera no sé qué puede una contar a los 16 años [edad a la que grabó su primer disco], pero la imaginación es muy poderosa. Lo principal es que la música llegue a la gente, que les conmueva. El resto no importa demasiado. La edad es solo un número”, dice Laurent-Marke en el estudio de Radio Gladys Palmera, donde grabó unos temas en acústico que acompañan a este texto.

    En este disco amplías la paleta del sonido acústico de los anteriores incluso con bases electrónicas, y lo grabaste en Athens (Georgia) con Andy Lemaster (Bright Eyes, Drive-by Truckers). ¿Cómo fue la experiencia?

    Increíble. De las 15 canciones 11 están grabadas en Athens con Andy. Era la primera vez que colaboraba con él, pero había oído cosas muy buenas sobre él. Tiene un grupo, Now It’s Overhead, del que soy fan, y Mike Mogis [anterior productor de Alessi’s Ark y miembro de Bright Eyes y Monsters of Folk] hablaba muy bien de él. Me pareció un copiloto soñado para este disco, quería crear un nuevo paisaje sonoro, no quería sólo instrumentos acústicos. Esto es más representativo de lo que he estado escuchando desde que hice Time Travel [2011], mi segundo disco. He escuchado muchas bandas sonoras, mucha música con guitarras eléctricas… Andy entendió esa nueva dirección y me ha llevado de la mano por todo el proceso.

    Ah, y grabar en Athens fue fantástico, aunque lo hicimos entre finales de julio y principios de agosto y fue duro para una chica inglesa como yo: ¡mucho calor!

    Además, Athens es una ciudad con una gran escena musical desde los tiempos de REM o B-52’s. ¿Se palpa esa efervescencia?

    Sí, y de manera importante, Athens es un centro creativo increíble. Pude conocer a Michael Stipe, de hecho, y también a muchos diseñadores de ropa interesantes, otra de mis aficiones [Laurent-Marke también expone sus dibujos y collages].

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    ¿Por qué esa idea de la “naturaleza muerta” [Still life] del título?

    Es una frase que se me ha quedado en la cabeza desde los 14 años, la edad en la que me empecé a tomarme en serio la música. Desde los 11 tocaba la batería, pero a los 14 ya empecé a ir a conciertos con mi padre, a veces cuatro a la semana… A esa edad también empecé un fanzine, aprendí a tocar la guitarra por mi cuenta y leí el libro llamado The Still Life with Woodpecker, de Tom Robbins, una historia de amor preciosa que tiene lugar en un paquete de Camel. Es bastante psicodélica y fantástica.

    Y en mi cabeza, The Still Life es ese periodo en las vidas de todos en el que estamos intentando construir, avanzar para llegar a un estadio de paz, de calma, para estar satisfechos. Espero que sea un disco casi medicinal, que sea reconfortante.

    Es curioso que, siendo inglesa, la mayoría de tus referencias son norteamericanas: grabaste en Athens, antes en Nebraska con Mogis, en el álbum hay una estupenda versión del ‘Afraid of Everyone’ de The National… ¿Estás más influida por la música de EE UU que por la de tu propio país?

    No sé, no creo que sea eso, pero es que EE UU es un país tan grande, es casi un planeta entero muy rico musicalmente, y no sólo con cosas actuales, sino también del pasado. Además, grupos de allí como Modest Mouse y Bright Eyes editaron grandes discos en momentos fundamentales de mi vida, y con 15 años tu mente es muy maleable. Pero bueno, también escucho mucha música francesa, o a Fela Kuti, y tengo un amigo japonés que me ha puesto mucha música japonesa, sobre todo un grupo llamado Tenniscoats, increíble. El mundo es muy grande…

     

    Hablabas de música francesa, y justo cantas una canción en francés en ‘The Still Life’, ‘Sans Balance’.¿Cómo surgió?

    Pues es que pese a mi nombre no tengo ascendencia italiana, pero sí, francesa, mi madre, así que hablo francés desde pequeña. Pero cantar en ese idioma es muy liberador para mí. Cuando lo hago en mi lengua materna soy muy crítica, muy exigente. Y cantar en francés supone mayor libertad, es casi terapeútico, vas al grano, no rebuscas. Últimamente he escrito más temas en francés, quién sabe si en el próximo disco será sólo en ese idioma…

     

    Darío Manrique

    www.alessisark.com

     

  • Se publica, ocho años después de su debut, el segundo álbum de Nicole Willis & the Investigators. ¡Finlandia tiene soul!

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    En 2005, Amy Winehouse era sólo un proyecto de estrella: Había editado un disco que no salió fuera de las fronteras británicas. Sin embargo, anticipando el revival del retro-soul que la malhadada inglesa haría estallar, una nueva sensibilidad soul (que tenía mucho que ver con la primigenia, la de los 60) iba tomando forma en varios rincones del mundo. Desde Brooklyn (Nueva York), Daptone Records editaba ese año el segundo y definitivo disco de Sharon Jones, una exguarda de prisiones; y de manera más sorprendente, desde Helsinki (Finlandia), la discográfica local Timmion Records sacaba Keep Reachin’ Up, un disco de Nicole Willis & the Soul Investigators, un brillante álbum que desde la portada remitía a la época dorada del género, aunque también metía el pie en el funk o la psicodelia.

    La voz era la de Nicole Willis (Nueva York, 1963), una cantante emigrada a Europa que había participado durante los 80 y 90 en grupos alejados del soul como The The y cercanos a la música de baile como Leftfield o Repercussions, primera referencia del sello Mo’ Wax. Willis no había llegado a Finlandia de casualidad: se emparejó con el músico finés Jimi Tenor, con quien también colaboraría en proyectos de electrónica. Justamente ahora editan Enigmatic, un disco de deep house bajo sus respectivos seudónimos: Cola & Jimmu.

    Ocho años después de ese crucial 2005, Nicole Willis y sus Investigadores del Soul han grabado su segundo álbum, Tortured Soul, otra joya de soul clásico cada vez más psicodélico. Con él llegarán a Madrid para participar en el Black Is Back Weekend (Matadero, 15 y 16 de junio). Pudimos hablar con Willis para preguntarle por su disco, sus incursiones en la pintura o la escena soul finlandesa…

    Mirando la web de Timmion Records y la discografía de los Soul Investigators, parece que hay una fertil escena de soul en Finlandia. ¿Es así? ¿Cómo explicas que la música soul sea importante en un país que aparentemente no tiene nada que ver?

    La verdad es que no sigo escenas, sólo hago música con la esperanza de que encuentre su público. Eso es lo ideal. La idea de que Finlandia no tiene nada que ver con la música soul no es muy exacta. ¿Qué tiene que ver EE UU con la música clásica? Y sin embargo hay muchísimas orquestas estadounidenses de gran reputación recorriendo el mundo. ¿Qué tiene que ver el rock & roll con cualquier otro país que no sea EE UU? Eso nunca ha detenido a nadie, no debería.

    Da la impresión de que el soul interesa más al público europeo que al estadounidense…

    Pasó con el jazz también, cómo Europa y Escandinavia lo abrazaron y recibieron con los brazos abiertos a los músicos que salieron por la puerta de atrás de su propio país, EE UU. El arte y la música no tienen fronteras. Somo libres para escuchar lo que queramos donde queramos.


    El álbum se titula
    Tortured Soul. ¿Es un juego de palabras con el género musical o una descripción de tu carácter?
    Un poco de todo. Creo que Jukka [Jimi Tenor] pensaba que yo era un alma torturada, y probablemente lo era, pero hoy no me siento así.

    Hay una bonita balada en el disco, On the East Side, que creo que habla de algún tipo de magia, pero no llego a entenderla bien. ¿Puedes explicar su significado?

    Trata del voodoo/hoodoo, una receta especial para ganar el amor de una mujer. Yo solía ser bastante supersticiosa hace unos años, hasta que mi pareja me ayudó a distanciarme de ello. Pero es algo muy romántico, la fe, como el placebo azucarado que se usa en al investigación de medicinas. El corazón humano hace ese tipo de trucos.

    Hay elementos de psicodelia y rock ácido en Tortured Soul. ¿Cuáles son tus artistas favoritos de rock de los 60 y 70?

    Rotary Connection [banda de soul psicodélico en la que cantó Minnie Riperton, que luego triunfaría con Lovin’ You] son una gran influencia, pero también los Beatles, Iggy & the Stooges, Gary Numan, Talking Heads, David Bowie, Led Zeppelin, Japan, King Crimson, Pink Floyd (¡antes de Brick In The Wall!) Devo… Muchas cosas.

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    En el primer single de Cola & Jimmu cantas “una chica de Brooklyn que vive en el mundo internacional”. Llevas más de dos décadas viviendo fuera de EE UU, en Inglaterra y Finlandia, ¿te ves volviendo a vivir a Brooklyn?

    ¡Y no te olvides de Barcelona! Mis hijos nacieron allí… Adoro Brooklyn, peor no me veo volviendo. A mis hijos les encanta hablar inglés todo el rato, inmersos como están en la cultura de EE UU, pero la ven desde fuera. La cultura estadounidense es fácilmente accesible de cualquier forma. Hollywood domina el cine, EE UU y el Reino Unido casi dominan la música.

    En la playlist de la última campaña de Obama se incluía tu canción Keep Reachin’ Up. ¿Qué te pareció aquello? ¿Te emocionó?
    Mucho. Espero que le guste de verdad nuestra música, no solo que sus guionistas de campaña pensaran que como mensaje quedaba bien eso de “Keep reachin’ up”. Componer canciones tiene mucho que ver con los juegos de palabras, pero una espera que las campañas tienen algo más que juegos de palabras.

    Han pasado ocho años desde el primer disco con los Soul Investigators. ¿Te has dedicado más en este tiempo a la pintura?

    Keep Reachin’ Up salió en diferentes países en 2005, 2006 y 2007 y fuimos de gira a muchos de ellos. Además, estuve acabando mi carrera de Bellas Artes y he estado pensando en mis próximas exposiciones de pintura, escultura, medios sustentados en el tiempo [time-based media]


    Darío Manrique

     

     

  • Aprovechamos la gira europea de Marisa Monte para charlar con ella sobre su trayectoria y su interesante evolución como intérprete, compositora y productora.

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    Somos una radio con mucho contenido de Brasil y músicas del mundo y, probablemente, los primeros que pusieron tus discos en España.

    Quisiéramos hablar de tu carrera, entera, y de esa evolución natural que has tenido, como interprete con los primeros discos y, luego , en el segundo no porque fue con Arto Lindsay, pero después como productora y compositora, poco a poco, ¿Todos esos roles cómo te influyen a la hora de grabar un nuevo álbum? ¿Cómo fue esa evolución?

    Yo veo mi evolución no como algo lineal o frontal, la veo como algo lateral. Fui interesándome por otras maneras de hacer música además del trabajo con la voz. Comencé de interprete, efectivamente, y luego pasé a componer. Mi trabajo de composición fue más allá de mis propios disocs, comencé a componer para otros artistas también. Produje mis discos, primero con Arto, co-produciendo, y pude trabajar con otros artistas también. Produje con Carlinhos, con la Velha Guarda da Portela, con Argemiro, Tribalistas. Después hice un documental sobre A Velha Guarda. Veo que hay una evolución que va más allá de la propia música, en las formas de hacer y servir a la música. Son parte de una curiosidad, de una voluntad de certificar una manera de lidiar con ese lenguaje. Esto me parece muy honesto e interesante en mi trayectoria.

    Claro, porque deja una sensación de que primero llegan las ideas y luego las manos en el trabajo

    Y dominando los medios de producción, uno tiene las ideas y, con la madurez y la experiencia, comienza a controlar los procesos de producción y sabe cómo llegar a los resultados, cómo mantener el ritmo de una producción, de qué forma tocar aquello. Me parece una ventaja jugar en otras posiciones. Seguro lo que me abrió ese camino fue la voz, y ella sigue siendo mi elemento central pero veo mi evolución abriéndose hacia otros lugares.

    En España fuiste conocida sobre todo por “Os Tribalistas”

    Os Tribalistas tuvo una proyección fuerte, internacional , Carlinhos tiene también un trabajo muy fuerte en España.

    Sí, pero él también llego al gran público con Tribalistas, después entro con su proyecto.

    Trabajaste en el disco O que vôçè que saber de verdade con un músico que admiramos mucho que es Dadi.

    ¿Como escoges tus colaboradores?

    Dadi esta en mi banda y es el músico más veterano. Hace 15 años que trabajamos juntos, desde la gira de Cor de rosa è carvão. Nos hicimos muy amigos, muy próximos, tenemos una afinidad muy grande, musical y de amistad realmente. Esto facilita las cosas. Es alguien que tiene una historia única, es multi-instrumentista, en el espectáculo en directo toca guitarra, mandolina, ukele, guitarra eléctrica, es muy versátil. Formó parte de los Novos Baianos, tocó con Jorge Ben, con Caetano, Rita Lee, con grandes músicos. Tiene una sonoridad, una musicalidad muy fluida y es muy intuitivo.

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    Una vez dijiste que no importaba demasiado el formato de la música, que era igual un CD que el MP3 o el streaming en internet. Otros músicos, entre ellos Bob Dylan y Neil Young, han manifestado su preocupación acerca de que las nuevas generaciones sólo escuchen música cen MP3 en condiciones precarias. Y opinan que con formatos de audio comprimidos se pierde calidad y estatura sonora.

    ¿Como productora te parece importante que a la gente le llegue la música comprimida y no la pueda disfrutar con la calidad de un directo o de un estudio de grabación?

    Yo creo que siempre va a existir un consumo más especializado , el del público que aprecia escuchar un vinilo, que aprecia esa calidad llena. Pero me parece que por otro lado lo digital tiene la ventaja de ser muy ecológico. Hay menos materia, menos papel, menos plástico. Esa música virtual sólo es memoria, y ocupa espacios reducidos, algo que me parece adecuado para un mundo futuro. Sirve tanto para la música como para textos, libros. Con tanta gente en el mundo, con la evolución, a veces tan depredadora de la humanidad en el mundo tanto plástico, tanto papel, tanto vinilo… eso es para especialistas, pero para el consumo de masas los formatos digitales no tangibles me parecen bien. Para personas que sólo van a oír una canción una vez, por curiosidad, no hace falta grabar y tener eso en grandes cantidades físicas. Es una perdida con ventajas.

    Alimenta nuestra parte fetichista, los melómanos somos amigos de los objetos.

    Siempre va a existir , siempre vamos a tener la manera de escuchar música con un equipo de sonido increíble. Yo tengo vinilo en casa pero también escucho mp3s, me parece fantástico poder viajar con mi computadora o mi iPad y tener una colección enorme de música dentro.

    Hubo un momento en que pusiste en pausa la enorme producción de discos, paraste un tiempo y luego volviste con Infinito particular. Hiciste una búsqueda dentro del samba, de la música folk. ¿Te replanteaste qué hacer con tu carrera o la manera de hacer música?

    Bueno, yo hice Tribalistas y tuve un hijo que hoy tiene 10 años. Me tomé un intervalo grande hasta que naciera y tardé en volver a grabar, yo tenía un repertorio inédito muy grande. Fruto de ese trabajo de los sambas, de varios proyectos con La Velha Guarda y después de producir a Argemiro, tuve una serie de entrevistas que hice con los sambistas antiguos de Rio buscando material inédito, presente sólo en la tradición oral.

    Tenía también otras canciones que no tenían tanto que ver con eso pero que daban para un segundo disco, fue cuando hice O infinito y O inverso. Dos álbumes, uno ligado al universo samba y otro más “autoral” ligado a mi trabajo con mis colaboradores, más contemporáneos. Son 26 temas entre los dos discos, se publicaron a la vez. Después hice una gira grande y un disco en directo, y luego la película sobre la Velha Guarda, tuve otra hija. Después grabé mi último álbum y llevo casi un año de gira.

    Es un ciclo natural porque como mis giras son muy extensas, y hay un año entre comenzar un disco y lanzarlo. Después de dos años de gira hay un tempo natural en ese espacio , porque también hay una vida detrás del arte.

    Bueno es que queremos que puedas estar todo el día haciendo canciones.

    Entonces no serían tan buenas.

    Eso es verdad. Y, dime, para España ¿qué nos traes?¿Las canciones del ultimo disco o un repaso de toda tu carrera?

    Vengo con el mismo show que estoy haciendo en Brasil, 10 músicos. Dadi, el power trio de Nação Zumbi que son Denge, Pupillo y Lucio, hay un cuarteto de cuerdas con Pedro Mibielle, Bernardo Fantino, Glauco Fernandes, Marcos Ribeiro. Está Trilha que es el programador y teclista… es un grupo grande, el mismo que en Brasil. Y estoy trayendo también todo el escenario creado a partir de obras plásticas de artistas brasileños contemporáneos.

    Es como una exposición itinerante de arte contemporáneo brasileño, con algunos de los más interesantes artistas actuales de la escena brasileña. Hay un participación sentimental y poética de esos artistas presente en el show, dialogando con la música y creando un lenguaje propio. Estoy muy feliz de poder traer a España, tanto en Barcelona como en Madrid, el show completo.

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    Desde España ya se mira mucho para Brasil por todos los eventos previstos de todo tipo, te vimos en la presentación de los juegos olímpicos en Londres ¿Cuál es el plan, el mensaje de lanzamiento de Brasil para el mundo?

    Espero que se haga bien para los ojos del mundo, allí también hay una gran expectativa, una gran preparación para todo eso. Brasil ya se mostró capaz de organizar grandes eventos,tenemos grandes festivales allí con mucha esencia como el mismo Rock in Rio o como el carnaval de Rio y la grandeza de algunos eventos deportivos son buenos precedentes. Pero nos estamos preparando y espero que quede bonito.

    Mario Maeso y Alex García